工笔绘画注重(写意花鸟画重视形式而不拘泥于形式)
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2023-11-17
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1. 工笔绘画注重,写意花鸟画重视形式而不拘泥于形式?
写意花鸟画是中国花鸟画的一种画法,主要讲究意在笔先,重形式而又不拘泥,通过用粗放、简练的笔墨,绘画中注重对象的形态与神韵,充分表达画家的感情与意境。
相比与工笔画法而言,写意花鸟画画法更重在意境的描绘,根据意境的大小分为大写意花鸟画与小写意花鸟画。
2. 南宋的绘画有什么特点?
南宋的绘画在水墨画方面有非常大的突破。
在南宋,中国的文化中心向南迁移,环境的变化对水墨画的发展有非常大的影响。从空气干燥的华北的大山,来到江南烟雨的水乡泽国,水与墨得以结合。
米芾可以说是北宋水墨画的革命者,而其创作实践显然兽“江浙”地区地里环境的影响很大,另外他个人在技法上也突破了以往的局限,不再是单一的线条的统一,他试图用“纸筋”、“蔗滓”在画面上营造出丰富的质感。而“水”与“墨”的结合,已经不再适合在矾纸和绢这种利于表达精细线条的介质上进行创作。能够彰显晕染效果的生纸逐渐成为新的绘画载体。
米芾、王庭筠、赵令穰都是早期水墨创作的先驱。
李唐是北宋向南宋过渡过程中非常重要的人物,从他的创作中我们可以看到这种地域变化给创作带来的影响。他的《万壑松风图》在笔法上依旧是北宋干笔皴擦的效果,完全没有水墨的渲染,如范宽的《溪山行旅图》是一个美学范畴内的画作。但是李唐的《江山小景》则完全不同,立轴改为横卷,画面也变得平旷、空灵,不再是堆叠的满满当当。画面中景物被忒远,皴染多变,画面活泼,虚实相应。李唐的探索对水墨画发展的影响不可小觑,一直延续到明代的浙派,以及日本的“云谷”、“狩猎”等画派。
水墨交融的渲染效果的成熟运用,形成了南宋绘画大易于北宋的面貌。
3. 请问工笔与素描有什么区别?
一、绘画类型不同
1、工笔是我国特有的一种流传已久的画法,属于中式古典绘画类型,注重线条的塑造,即使不加以浮夸的修饰也能很好的展现主体物的形态。
2、素描则属于西方流派的画法,注重主体物的明暗交替,利用多层次的叠加塑造出主体物的质感和特性。
二、绘画技巧不同
1、工笔在正式作画前通常要另起一副小稿,然后用小号的勾线笔进行大面积的勾勒,接着再用墨汁一层层的晕染,经过多次修改后才算真正完成一副画作。
2、素描可以直接用浅色的铅笔在纸上起稿,然后找到明暗交界线,进行大面积的上色,最后加以细节上的刻画,一副作品就可完成。
4. 才能进行初次绘画原创?
你好亲,很开心回答你的问题
对于绘画初学者,临摹多长时间,才能进行原创
个人拙见,这个没有固定答案
不知道亲想达到原创的哪种程度
比如亲想通过自己的绘画基本功,原创一幅漫画人物?
还是想通过自己的绘画基本功,原创一幅静物素描,还是水粉静物?
还是想通过自己的绘画基本功,原创一幅油画创作?比如原创一幅风景油画,人物油画,静物油画?
对于绘画基本功的练习,应该写生和临摹结合着练习
对于绘画,个人拙见,分为临摹,写生,原创创作
学习绘画的生涯,应该先打基础,然后再创作
训练绘画基础,应该写生和临摹一起进行
创作,需要原创性,个人特色
但是,写生不算是创作,因为写生一组静物,也许老师事先就给你摆好了构图,你按照摆好的构图画下来,稍加改动,所以算不上是创作
如果亲想创作一幅静物素描,前提是你面前有一大堆杂乱摆放,静物的构图需要你自己组织,这才算得上创作
如果你想创作一幅静物素描,首先应该熟悉几何体素描,然后再临摹写生一定时间静物素描,熟悉构图组织规律和框架之后,你再创作一幅静物素描,自己组织构图
所以,如果你天天练习的画,要不了大半年,你就可以创作一幅素描静物
如果你一周练习一次,两次,那么需要更长时间
创作一幅油画人物,打基本功时间更长
人物题材难于静物题材
创作一幅油画人物,需要熟练素描人体,着衣素描人物,油画人物写生
光是练熟素描人体,需要一两年的时间吧,所以达到创作油画人物的阶段,需要两三年的基本功
如果你一周只练习一次画画,那么你很难画好难度较大的素描人物
对于亲想原创一幅漫画人物,需要熟练人体结构的动态,比例,结构转折,肌肉,需要亲练习好速写人物
速写人物画熟练了,你的漫画人物也不成问题,特别是速写人物中的生动灵活的线条,有助于你画漫画时画好生动的线条
所以,临摹多长时间,能够初次原创,没有固定答案,关键看你的勤奋程度,你的天赋,悟性
如果亲天天练习画画,相信会离原创的目标越来越近
但是对于国画,就另当别论的,画国画,是前三十年临摹,后三十年创作的经过画国画,并不单单是熟悉国画技法,还要上知天文,下知地理,具备中国传统文化深厚的知识底蕴
画国画,临摹是必经的阶段,从芥子园画谱,然后临摹中国美术史上众多名家的经典国画作品,是一个漫长的阶段
如果刚开始学国画就创作,你可以创作,但是画中的境界,精神却无法保证。
回答完毕 我是艺术狂人,从事少儿美术教育,如有美术,美术教育的疑问,欢迎私信
粉丝们,条友们,你们有什么高见吗?
5. 工笔画好还是水墨画好?
水墨画和工笔画都是中国传统国画,只不过是技法不同。没有好差之分。
水墨画是由水和墨调配成不同深浅的墨色所画出的画,是绘画的一种形式。水墨画也被视为中国传统绘画,也就是国画的代表。
工笔画属于工整细致一类画法,不论是人物画,还是花鸟画,都力求于形似,“形”在工笔画中占有重要的地位,与水墨写意画不同,工笔画更多地关注“细节”,注重写实。
中国水墨画的特点是:近处写实,远处抽象,色彩微妙,意境丰富。一幅画中既有写意水墨,也有工笔写实。由此可见,工笔和水墨仅是技法而已。
6. 白描和工笔画有什么区别?
古人白描有十八种描法,我们现在用得比较多的是钉头鼠尾描,铁线描,琴弦描,混搭描跟减笔描。指的是只勾线就能基本体现出物像的大概,或者只有黑白色,又或者是只有墨色跟纸的颜色(这里的墨色有可能是朱砂色,也有可能是金色银色,而纸是有黑色,蓝色等其他颜色的)。白描可以是工笔画未染色前的勾线,也可以是小写意未染色前的勾线。最简单的理解就是没有染色的勾线都叫白描。
而工笔画,是用熟宣纸或者熟绢,在精瑾白描的基础上,通过底色,分染,统染,烘染,罩染等层层渲染。古人说的是三矾九染而成的。工笔画也有色彩艳丽,清新淡雅等各种各样的画风,比写意画更偏向写实,让人一眼就能看出所画的物像是何物,视觉唯美。以下分享几张工笔白描跟写意白描,还有工笔画图片,希望对你有帮助。
7. 与社会的经济发展有较为直接的关系吗?
应该只能说有部分关系,最大的关系应该与艺术的发展规律有关。
首先说与经济,政治,等等甚至发明都有千丝万缕的关系。比如就拿中国画来说,最初都是比较注重写实,无论人物山水,通过中国最早的画,以及现在存世的中国最有名的十副古画,就可以比较清楚,这就与经济政治甚至宗教有关,因为那时的画都是实用的,或是为宣扬宗教,也主要是为皇帝服务,因为如果没有皇室的资供,画家也很难生存,虽然我们的写实与西方的不同,但这一点上却很相似,西方的画那时也主要为宗教服务,其实也是为政治服务。
中国的画历史悠久,从战国到两宋,中国工笔画的创作从幼稚走向了成熟。工笔画使用“尽其精微”的手段,通过“取神得形,以线立形,以形达意”获取神态与形体的完美统一。在工笔画中,不论是人物画,还是花鸟画,都力求于形似,“形”在工笔画中占有重要的地位,与水墨写意画不同,工笔画更多地关注“细节”,注重写实。唐朝水墨画开始创立,水墨画指纯用水墨所作之画。以笔法为主导,充分发挥墨法的功能。「墨即是色」,所以中国画写意画的产生,有一个原因,是因为 宣纸的的发明。据记载,宣纸最早见于唐, 迄今已有1500余年历史,大家都知道宣纸易产生丰富的墨韵变化,以之行泼墨法、积墨法,能收水晕墨、达到水走墨流之艺术效果,使得中国水墨写意大写意画,有了更好的表现。
世人公认美术史上第一幅抽象画是康定斯基1911年的水彩画《构图4号》,但是,对比一下可知,论抽象程度明代中期画家,大写意花鸟的开创者徐渭《杂花图卷》中的《南瓜》和《葡萄》,不逊于《构图4号》。所以我说它们是中国绘画史上的第一幅抽象画,也是世界美术史上当之无愧的第一幅抽象画。
抽象画在中国之所以产生得这么早,有三个导因,一是哲学,包括老庄、禅宗、陆王心学;二是草书,尤其狂草。如前所述大写意花鸟的产生与狂草有密切的关系。大写意走到极致自然会过渡到抽象。或者也可以说,抽象是大写意的一部分。三是文字学的影响,尤其是其中“六书”中“指事”的影响,它通过书法的影响而发挥作用。“六书”本是书法造型的基础,也是文人画造型的落脚点,文人画的一切变化和手法都不过是“六书”的变种。其中的“指事”便为抽象画的母体。
但是对绘画逐渐追求抽象化的原因,还是艺术自身规律和大众审美意识,有最直接的关系,最简单的例子,我们平常说的服饰文化的流行,就有如此的规律,可能十年或二十年会反复,所以也应该听过这样的话,如果有比较好的衣服不要扔,过几年就流行回来了。
在绘画艺术的基本规律来说,无论古今中外,总有一个共同的原则,那就是物极必反。那便是最初的画,一定是简单的,后来渐渐的复杂,到了复杂之极,又要趋于简单,但这第二个简单所包含的意味,便不同于第一次。最初我们总要刻意画得像实物,太像了,我们又要把它画得不太像,或者几笔简单的笔意,而控制或代表复杂的景物。前者是写实,后者便是所谓写意。写意写到太过笔简,人们以为不够味,又会回到写实上面去。这就如春夏秋冬四时的循环,并没有什么高下、是非、好坏,正如现在其实最火的不是冷军的超写实画吗?
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1. 工笔绘画注重,写意花鸟画重视形式而不拘泥于形式?
写意花鸟画是中国花鸟画的一种画法,主要讲究意在笔先,重形式而又不拘泥,通过用粗放、简练的笔墨,绘画中注重对象的形态与神韵,充分表达画家的感情与意境。
相比与工笔画法而言,写意花鸟画画法更重在意境的描绘,根据意境的大小分为大写意花鸟画与小写意花鸟画。
2. 南宋的绘画有什么特点?
南宋的绘画在水墨画方面有非常大的突破。
在南宋,中国的文化中心向南迁移,环境的变化对水墨画的发展有非常大的影响。从空气干燥的华北的大山,来到江南烟雨的水乡泽国,水与墨得以结合。
米芾可以说是北宋水墨画的革命者,而其创作实践显然兽“江浙”地区地里环境的影响很大,另外他个人在技法上也突破了以往的局限,不再是单一的线条的统一,他试图用“纸筋”、“蔗滓”在画面上营造出丰富的质感。而“水”与“墨”的结合,已经不再适合在矾纸和绢这种利于表达精细线条的介质上进行创作。能够彰显晕染效果的生纸逐渐成为新的绘画载体。
米芾、王庭筠、赵令穰都是早期水墨创作的先驱。
李唐是北宋向南宋过渡过程中非常重要的人物,从他的创作中我们可以看到这种地域变化给创作带来的影响。他的《万壑松风图》在笔法上依旧是北宋干笔皴擦的效果,完全没有水墨的渲染,如范宽的《溪山行旅图》是一个美学范畴内的画作。但是李唐的《江山小景》则完全不同,立轴改为横卷,画面也变得平旷、空灵,不再是堆叠的满满当当。画面中景物被忒远,皴染多变,画面活泼,虚实相应。李唐的探索对水墨画发展的影响不可小觑,一直延续到明代的浙派,以及日本的“云谷”、“狩猎”等画派。
水墨交融的渲染效果的成熟运用,形成了南宋绘画大易于北宋的面貌。
3. 请问工笔与素描有什么区别?
一、绘画类型不同
1、工笔是我国特有的一种流传已久的画法,属于中式古典绘画类型,注重线条的塑造,即使不加以浮夸的修饰也能很好的展现主体物的形态。
2、素描则属于西方流派的画法,注重主体物的明暗交替,利用多层次的叠加塑造出主体物的质感和特性。
二、绘画技巧不同
1、工笔在正式作画前通常要另起一副小稿,然后用小号的勾线笔进行大面积的勾勒,接着再用墨汁一层层的晕染,经过多次修改后才算真正完成一副画作。
2、素描可以直接用浅色的铅笔在纸上起稿,然后找到明暗交界线,进行大面积的上色,最后加以细节上的刻画,一副作品就可完成。
4. 才能进行初次绘画原创?
你好亲,很开心回答你的问题
对于绘画初学者,临摹多长时间,才能进行原创
个人拙见,这个没有固定答案
不知道亲想达到原创的哪种程度
比如亲想通过自己的绘画基本功,原创一幅漫画人物?
还是想通过自己的绘画基本功,原创一幅静物素描,还是水粉静物?
还是想通过自己的绘画基本功,原创一幅油画创作?比如原创一幅风景油画,人物油画,静物油画?
对于绘画基本功的练习,应该写生和临摹结合着练习
对于绘画,个人拙见,分为临摹,写生,原创创作
学习绘画的生涯,应该先打基础,然后再创作
训练绘画基础,应该写生和临摹一起进行
创作,需要原创性,个人特色
但是,写生不算是创作,因为写生一组静物,也许老师事先就给你摆好了构图,你按照摆好的构图画下来,稍加改动,所以算不上是创作
如果亲想创作一幅静物素描,前提是你面前有一大堆杂乱摆放,静物的构图需要你自己组织,这才算得上创作
如果你想创作一幅静物素描,首先应该熟悉几何体素描,然后再临摹写生一定时间静物素描,熟悉构图组织规律和框架之后,你再创作一幅静物素描,自己组织构图
所以,如果你天天练习的画,要不了大半年,你就可以创作一幅素描静物
如果你一周练习一次,两次,那么需要更长时间
创作一幅油画人物,打基本功时间更长
人物题材难于静物题材
创作一幅油画人物,需要熟练素描人体,着衣素描人物,油画人物写生
光是练熟素描人体,需要一两年的时间吧,所以达到创作油画人物的阶段,需要两三年的基本功
如果你一周只练习一次画画,那么你很难画好难度较大的素描人物
对于亲想原创一幅漫画人物,需要熟练人体结构的动态,比例,结构转折,肌肉,需要亲练习好速写人物
速写人物画熟练了,你的漫画人物也不成问题,特别是速写人物中的生动灵活的线条,有助于你画漫画时画好生动的线条
所以,临摹多长时间,能够初次原创,没有固定答案,关键看你的勤奋程度,你的天赋,悟性
如果亲天天练习画画,相信会离原创的目标越来越近
但是对于国画,就另当别论的,画国画,是前三十年临摹,后三十年创作的经过画国画,并不单单是熟悉国画技法,还要上知天文,下知地理,具备中国传统文化深厚的知识底蕴
画国画,临摹是必经的阶段,从芥子园画谱,然后临摹中国美术史上众多名家的经典国画作品,是一个漫长的阶段
如果刚开始学国画就创作,你可以创作,但是画中的境界,精神却无法保证。
回答完毕我是艺术狂人,从事少儿美术教育,如有美术,美术教育的疑问,欢迎私信
粉丝们,条友们,你们有什么高见吗?
5. 工笔画好还是水墨画好?
水墨画和工笔画都是中国传统国画,只不过是技法不同。没有好差之分。
水墨画是由水和墨调配成不同深浅的墨色所画出的画,是绘画的一种形式。水墨画也被视为中国传统绘画,也就是国画的代表。
工笔画属于工整细致一类画法,不论是人物画,还是花鸟画,都力求于形似,“形”在工笔画中占有重要的地位,与水墨写意画不同,工笔画更多地关注“细节”,注重写实。
中国水墨画的特点是:近处写实,远处抽象,色彩微妙,意境丰富。一幅画中既有写意水墨,也有工笔写实。由此可见,工笔和水墨仅是技法而已。
6. 白描和工笔画有什么区别?
古人白描有十八种描法,我们现在用得比较多的是钉头鼠尾描,铁线描,琴弦描,混搭描跟减笔描。指的是只勾线就能基本体现出物像的大概,或者只有黑白色,又或者是只有墨色跟纸的颜色(这里的墨色有可能是朱砂色,也有可能是金色银色,而纸是有黑色,蓝色等其他颜色的)。白描可以是工笔画未染色前的勾线,也可以是小写意未染色前的勾线。最简单的理解就是没有染色的勾线都叫白描。
而工笔画,是用熟宣纸或者熟绢,在精瑾白描的基础上,通过底色,分染,统染,烘染,罩染等层层渲染。古人说的是三矾九染而成的。工笔画也有色彩艳丽,清新淡雅等各种各样的画风,比写意画更偏向写实,让人一眼就能看出所画的物像是何物,视觉唯美。以下分享几张工笔白描跟写意白描,还有工笔画图片,希望对你有帮助。
7. 与社会的经济发展有较为直接的关系吗?
应该只能说有部分关系,最大的关系应该与艺术的发展规律有关。
首先说与经济,政治,等等甚至发明都有千丝万缕的关系。比如就拿中国画来说,最初都是比较注重写实,无论人物山水,通过中国最早的画,以及现在存世的中国最有名的十副古画,就可以比较清楚,这就与经济政治甚至宗教有关,因为那时的画都是实用的,或是为宣扬宗教,也主要是为皇帝服务,因为如果没有皇室的资供,画家也很难生存,虽然我们的写实与西方的不同,但这一点上却很相似,西方的画那时也主要为宗教服务,其实也是为政治服务。
中国的画历史悠久,从战国到两宋,中国工笔画的创作从幼稚走向了成熟。工笔画使用“尽其精微”的手段,通过“取神得形,以线立形,以形达意”获取神态与形体的完美统一。在工笔画中,不论是人物画,还是花鸟画,都力求于形似,“形”在工笔画中占有重要的地位,与水墨写意画不同,工笔画更多地关注“细节”,注重写实。唐朝水墨画开始创立,水墨画指纯用水墨所作之画。以笔法为主导,充分发挥墨法的功能。「墨即是色」,所以中国画写意画的产生,有一个原因,是因为 宣纸的的发明。据记载,宣纸最早见于唐, 迄今已有1500余年历史,大家都知道宣纸易产生丰富的墨韵变化,以之行泼墨法、积墨法,能收水晕墨、达到水走墨流之艺术效果,使得中国水墨写意大写意画,有了更好的表现。
世人公认美术史上第一幅抽象画是康定斯基1911年的水彩画《构图4号》,但是,对比一下可知,论抽象程度明代中期画家,大写意花鸟的开创者徐渭《杂花图卷》中的《南瓜》和《葡萄》,不逊于《构图4号》。所以我说它们是中国绘画史上的第一幅抽象画,也是世界美术史上当之无愧的第一幅抽象画。
抽象画在中国之所以产生得这么早,有三个导因,一是哲学,包括老庄、禅宗、陆王心学;二是草书,尤其狂草。如前所述大写意花鸟的产生与狂草有密切的关系。大写意走到极致自然会过渡到抽象。或者也可以说,抽象是大写意的一部分。三是文字学的影响,尤其是其中“六书”中“指事”的影响,它通过书法的影响而发挥作用。“六书”本是书法造型的基础,也是文人画造型的落脚点,文人画的一切变化和手法都不过是“六书”的变种。其中的“指事”便为抽象画的母体。
但是对绘画逐渐追求抽象化的原因,还是艺术自身规律和大众审美意识,有最直接的关系,最简单的例子,我们平常说的服饰文化的流行,就有如此的规律,可能十年或二十年会反复,所以也应该听过这样的话,如果有比较好的衣服不要扔,过几年就流行回来了。
在绘画艺术的基本规律来说,无论古今中外,总有一个共同的原则,那就是物极必反。那便是最初的画,一定是简单的,后来渐渐的复杂,到了复杂之极,又要趋于简单,但这第二个简单所包含的意味,便不同于第一次。最初我们总要刻意画得像实物,太像了,我们又要把它画得不太像,或者几笔简单的笔意,而控制或代表复杂的景物。前者是写实,后者便是所谓写意。写意写到太过笔简,人们以为不够味,又会回到写实上面去。这就如春夏秋冬四时的循环,并没有什么高下、是非、好坏,正如现在其实最火的不是冷军的超写实画吗?
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